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Album der Woche – Episode 5 – 2017-10-15

Jede Woche präsentiere ich ein Album, das mir persönlich gut gefällt. Im Vorfeld höre ich es noch einmal (oder häufiger) durch und bemühe mich dann, es allen Interessierten „schmackhaft“ zu machen.

AC/DC: „Back in Black“

Das vielleicht beste AC/DC-Album aller Zeiten: „Back in Black“

Das vielleicht beste AC/DC-Album aller Zeiten: „Back in Black“

1980 erschien mit „Back In Black“ von AC/DC einer der größten Meilensteine der Rock-Geschichte. Die zehn Songs stellen eine derart gelungene Zusammenstellung von eingängigen Krachern voller kantiger Riffs, Mitsing-Refrains, frecher Texte und eines knallharten Sounds dar, dass es absolut kein Wunder ist, dass mittlerweile über 50 Millionen Exemplare davon verkauft wurden.

Für die echten AC/DC-Fans stellt es noch in einer weiteren Hinsicht einen Meilenstein dar, denn es ist das erste Album mit Brian Johnson als Sänger. Nach dem Vorjahres-Erfolg des Albums „Highway To Hell“ verstarb der vorige Sänger Bon Scott am Ende einer durchzechten Nacht im Auto von Angus Young. Kurz darauf begann die Suche nach einem Ersatz, denn die Karriere der Band hatte gerade erst Fahrt aufgenommen. Brian Johnson sang zwei Lieder vor, dann stand er als Nachfolger des früheren Frontmanns fest. Seine kratzige Reibeisenstimme verpasst dem Album mit dem hohen Maß an Energie den letzten Schliff.

Die Songs:

Wie so oft fällt es mir schwer, die besten Songs des Albums auszuwählen, da sie alle so fantastisch sind. Ein paar Highlights möchte ich dennoch hervorheben:

Hells Bells

Dies war mein erstes AC/DC-Stück, das ich auf der E-Gitarre spielen konnte. Mit 15 hatte ich mit der Band meinen ersten Auftritt. Aus einem Programm von gut 20 Stücken kam dieses irgendwann kurz vor Ende des Gigs dran – und ich hatte vor lauter Aufregung vergessen, wie genau das Zupfmuster am Anfang ging. Das war ein ganz, ganz peinlicher Moment (peinlicher war an dem Abend nur noch „meine Version“ von Steve Vais „For The Love of God“). Fast immer, wenn ich den Anfang höre, muss ich wieder daran denken. Da mittlerweile gut 27 Jahre seitdem vergangen sind, ist die Peinlichkeit weitgehend verflogen.

Back In Black

Für mich ist das Riff, mit dem dieses Stück so markant einsteigt, das beste Gitarren-Riff aller Zeiten (vielleicht mit der Ausnahme von „Highway To Hell“). Sehr effektvoll wurde es als Filmmusik im ersten Teil von „Iron Man“ eingesetzt. In vielerlei Hinsicht ist das für mich der Höhepunkt des musikalischen Schaffens von AC/DC.

You Shook Me All Night Long

Nachdem AC/DC ohnehin schon als „schlimme Finger“ bekannt waren, passte dieses Stück perfekt in die Sex, Drugs & Rock and Roll-Facette. Darüber hinaus ist es eine der großen AC/DC-Hymnen, die man immer, aber wirklich immer mitsingen kann.

Zuerst könnte man ja noch auf die Idee kommen, es handle sich um eine Ballade, denn die ersten Sekunden klingen – für AC/DC-Verhältnisse – melancholisch-verträumt. Doch dann steigen Gitarre und Schlagzeug in das Riff ein. Ab da geht gnadenlos die Post ab, denn das Grundtempo wird ordentlich angezogen. Und hat man diesen Teil einmal gehört, bleibt der Refrain so übel im Ohr hängen, dass er noch tagelang immer wieder in den unvorhersehbarsten Situationen wie ein Springteufel hervorschnellt und einen in Besitz nimmt…

Rock & Roll Ain‘t Noise Pollution

Der Song ist ein Frontalangriff auf die viel zu oft geäußerte Behauptung, Rockmusik sei „akustische Umweltverschmutzung“. Nach dem Motto „den Stier bei den Hörern packen“ vertreten AC/DC hier vehement die gegenteilige Meinung. Und das auf so charmant-melodiöse Weise, dass man eigentlich nur laut mitsingen kann (klappt in diesem Fall vermutlich auch mit 1-2 Promille Alkoholgehalt im Blut).

Wie schon bei „You Shook Me All Night Long“ beginnt der Song mit einem melancholischen Gitarren-Intro. Doch statt in ein höheres Tempo abzubiegen und ordentlich einzuheizen wird hier das trügerisch langsam voranschreitende Tempo genutzt, um ordentlich Spannung aufzubauen, sodass sich nach einem wundervoll auf die Klimax hinarbeitenden Pre-Chorus alle angestaute Kraft im Refrain entladen kann. Auch das Gitarrensolo gehört zu den ganz feinen Aspekten des Songs, die ihn definitiv hörenswert machen.

Fazit

Für mich steht fest, dass es bis heute (immerhin 37 Jahre später) noch kein gelungeneres AC/DC-Album gibt. Hier stimmt einfach alles: Länge, Eingängigkeit, Kraft und Virtuosität – die Band rockt, was das Zeug hält, mitreißend bis zum Umfallen.

Ich unterstelle nun einfach mal, dass das Album fast allen potentiellen Lesern dieses Blogs bekannt ist. An diese Adresse muss ich gar keine weiteren Worte richten, denn das Album zu kennen heißt, es zu lieben. Wer es noch nicht kennt, wird sicher mit den empfohlenen Tracks überaus glücklich. Doch auch alle anderen sind auf dem gleichen (=hohen) Qualitätsniveau, sodass man getrost die ca. 40 Minuten investieren kann – eine Enttäuschung wird das in keinem Fall!

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Song des Tages (370) – 2017-10-14

Ein Jahr lang habe ich jeden Tag einen Song als den „Song des Tages“ empfohlen, nun bin ich schon in der zweiten Runde und habe das Intervall etwas gelockert: Statt „jeden Tag“ gibt es nun „hin und wieder“ einen Song des Tages an dieser Stelle.

Kaum ein aktueller Regisseur ist so umstritten wie Quentin Tarantino, der von seinen Fans für seine Genialität verehrt wird, wohingegen ihn diejenigen, die seinen Filmen nichts abgewinnen können, für „überbewertet“ halten (kein Wunder angesichts des unglaublichen Hypes um einige seiner Filme). Ich kenne nicht alle seiner Filme, doch mag ich schon einige davon – und letztens habe ich mal wieder den ersten Teil von Kill Bill angesehen. Dabei bemerkte ich ein musikalisches Juwel, das ich hier und heute als Song des Tages präsentiere: „Bang Bang (My Baby Shot Me Down)“ von der einmaligen Nancy Sinatra:

Für all jene, die Quentin Tarantino-Filme nicht mögen, sei hier gleich zur Beruhigung gesagt: Der Song existierte lange vor dem Film, er wurde nur als passend empfunden und dafür ausgesucht. Und es lohnt sich wirklich, sich auch den Video-Clip anzusehen, denn ganz am Ende gibt es eine Überraschung…

Alle Songs in meiner freigegebenen Apple Music-Playlist.

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Song des Tages (369) – 2017-10-11

Ein Jahr lang habe ich jeden Tag einen Song als den „Song des Tages“ empfohlen, nun bin ich schon in der zweiten Runde und habe das Intervall etwas gelockert: Statt „jeden Tag“ gibt es nun „hin und wieder“ einen Song des Tages an dieser Stelle.

Wie ich vor ein paar Tagen berichtete, habe ich kürzlich den Film „Oblivion“ gesehen. Insgesamt ist der Film schon ein herrliches Science Fiction-Spektakel, doch im Abspann wird man als Zuschauer noch ein bisschen mehr verwöhnt, denn da erklingt ein sehr gelungener Song, den ich gleich einmal zum heutigen Song des Tages erkoren habe. Es handelt sich um den Titelsong „Oblivion“ von M83 feat. Susanne Sundfør – und passt gut auf, der wird euch gefallen:

Susanne Sundfør ist eine recht junge Sängerin, von der ich vor dem Ansehen des Films noch nie Notiz genommen hatte. Nun aber muss ich sagen, dass ein gewisses Interesse an ihrem Schaffen erwacht ist. Vielleicht finde ich ja etwas, das zu einem weiteren Song des Tages führt…

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Song des Tages (368) – 2017-10-10

Ein Jahr lang habe ich jeden Tag einen Song als den „Song des Tages“ empfohlen, nun bin ich schon in der zweiten Runde und habe das Intervall etwas gelockert: Statt „jeden Tag“ gibt es nun „hin und wieder“ einen Song des Tages an dieser Stelle.

Yngwie Malmsteen ist und bleibt ein Phänomen: Einerseits ein sensationell guter Gitarrist, der seit mittlerweile mehr als drei Jahrzehnten auf der Bühne steht und dort mehr Hornhaut von den Fingerkuppen bei seinen High-Speed-Attacken auf die sechs Saiten seiner E-Gitarre eingebüßt hat als anderen Leuten in einem ganzen überhaupt in der gesamten Handfläche gewachsen ist. Dem steht auf der anderen Seite ein unglaublich von sich selbst eingenommener Egomane gegenüber, der es einfach nicht lassen kann, in jedem einzelnen seiner Stücke gnadenlos seine fingertechnischen Fertigkeiten unter Beweis zu stellen. Und „unter Beweis zu stellen“ ist eigentlich eine viel zu zurückhaltende Art, die Sache auszudrücken, denn er führt sich auf der Bühne auf wie ein Donald Trump der Musik.

Bereits seit Jahren verfolge ich seine Karriere nicht mehr, denn das Muster hatte sich damals so fest eingefahren, dass es sich aller Wahrscheinlichkeit nach nicht geändert hat: Die Begleitmusiker sind nichts weiter als Staffage, sie liefern einen Klangteppich, über dem dann ein Gitarrensolo nach dem anderen abgezogen werden kann. Wer nicht spurt, wird rausgeworfen.

Mit dem heutigen Song des Tages kehre ich aber ganz zu Yngwie Malmsteens Wurzeln zurück, genauer gesagt zum ersten Stück seines ersten Solo-Albums: „Black Star“.

Hört man sich den Song in der Album-Version an (Empfehlung für alle Streaming Abo-Kunden), überrascht – zumindest aus der Perspektive seiner späteren Veröffentlichungen – die ungeheure Zurückhaltung, die dabei zum Ausdruck kommt. Natürlich packt er an der einen oder anderen Stelle seine wieselflinken Finger aus und lässt sie tanzen. Dafür ist das Stück ansonsten immer wieder wundervoll ruhig und melodisch.

Die Live-Version (und es ist die beste von drei oder vier, die ich bei YouTube fand) ist leider eine, bei der der gute Mann wieder einmal allen im Raum zeigen musste, dass er sich nicht an ein Geschwindigkeits-Limit zu halten bereit ist. Zum Glück blitzt zwischendurch noch der ruhige Charakter des Originals durch. Sonst könnte man den alten Aufschneider schier nicht ertragen.

Alle Songs in meiner freigegebenen Apple Music-Playlist.

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Filme en masse

Vorbemerkung

Die vergangenen Tage habe ich mich hier im Blog kaum sehen lassen, denn die Tage waren einfach zu voll. Neben dem Schuljahresende, der Mitte und allen Zeiten dazwischen ist der Schuljahresbeginn immer die stressigste Zeit, denn da muss zusätzlich zur Unterrichtsvorbereitung unglaublich viel organisatorischer Krempel abgearbeitet werden. Außerdem gibt es viele außerplanmäßige Termine, die einem den Tag verkürzen. Wenn man dann trotzdem am nächsten Tag eine ordentliche Arbeit abliefern will, wird’s stressig.

Das legt sich hoffentlich bald wieder, sonst falle ich in den Herbstferien krank ins Bett. Und bislang habe ich dieses Jahr wirklich eine ziemlich stabile Gesundheit, das soll so bleiben. Den heutigen Blog-Eintrag habe ich seit gut einer Woche in Vorbereitung, doch zum Schreiben kam ich schlicht und ergreifend nicht. Ich bin mir noch nicht einmal sicher, ob ich heute noch meinen eigentlich ausstehenden Artikel zum „Album der Woche“ veröffentlicht bekomme. Mal sehen…

Zurück zum eigentlichen Thema: In den letzten Wochen habe ich mir ein paar Filme angesehen, manche davon abends in aller Ruhe, andere morgens auf dem Laufband (wenn draußen mal wieder ein ekelhaftes Mistwetter war). Auf jeden Fall waren ein paar bemerkenswerte Filme dabei, die es lohnen, von ihnen zu berichten:

E.T. – Der Außerirdische

Einer der ganz starken Filme meiner Kindheit – nun kennen ihn auch meine Kinder!

Einer der ganz starken Filme meiner Kindheit – nun kennen ihn auch meine Kinder!

Dieser Klassiker aus den 1980er Jahren ist mir seit meiner Kindheit ein treuer Begleiter, allerdings hatte ich ihn seit mehr als fünf Jahren nicht mehr angesehen. Und darüber hätte ich fast ausgeblendet (vergessen kann man es nicht), wie gut der Film ist. Unsere Kinder kannten den Film noch gar nicht, also überraschte ich sie damit, bereitete sie hier und da auf kommende dramatische Entwicklungen vor (vor allem unsere Mittlere reagiert sonst unter Umständen etwas eigen selbst auf einen hervorragenden Film wie diesen), freute mich aber umso mehr, als sie bei den lustigen Szenen vor Vergnügen laut quietschten.

Einmal mehr hat mich die Musik völlig umgehauen, John Williams hat hier meiner Meinung nach sogar noch bessere Arbeit vollbracht als bei allen Teilen der Star Wars-Reihe (und da setzte er ja wirklich Meilensteine der Filmmusik). Und wie jedes Mal ärgere ich mich, dass die reine Klavierfassung des „Flying“-Themas (gleich zu Beginn des Abspanns) nicht Teil der veröffentlichten Filmmusik ist. Da gibt es eine ähnliche Version, die allerdings gleich vom Orchester untermalt wird. Sehr schön, keine Frage, doch eben nicht ganz so verträumt wie das Stück aus dem Abspann.

Oblivion

Spannende Science Fiction mit einem gereiften Tom Cruise – sehenswert!

Spannende Science Fiction mit einem gereiften Tom Cruise – sehenswert!

Bevor ich den Film angesehen habe, gab es ein langes Zögern. Der Grund ist bzw. war: Tom Cruise. Ich mag ihn als Schauspieler nicht allzu sehr, seine Scientology-Zugehörigkeit hat ihn mir zusätzlich verleidet. Daher bin ich in seiner Hinsicht immer etwas zurückhaltend.

Doch dieser Film hat mich positiv überrascht, denn einerseits trägt er darstellerisch nicht mehr ganz so dick auf (bei „Rain Man“ oder anderen älteren Filmen war das furchtbar), andererseits ist die Story wirklich gut und nicht nur auf ihn als Charakter fixiert.

Alles in allem ein wirklich solider Science Fiction-Action-Film mit berauschend guten Effekten, einer guten (wenngleich recht dystopischen) Story und überzeugenden Leistungen aller Darsteller (einziges Manko: der auf dem Poster groß angekündigte Morgan Freeman taucht nur in gut 10-15 Minuten des 100-minütigen Films auf). Diesen Film kann man sich gut auch öfter ansehen – ich werde das sicher machen.

My Big Fat Greek Wedding 2

Für mich eine der besten familientauglichen Komödien der letzten Jahre – absolute Empfehlung!

Für mich eine der besten familientauglichen Komödien der letzten Jahre – absolute Empfehlung!

Wer den ersten Teil kennt, weiß vermutlich schon, in welcher Comedy-Liga der Film spielt: Es ist ein harmloser Familien-Spaß, den man gut und gern auch mit den Kindern angucken kann. Gleichzeitig ist er so gut gemacht, dass Erwachsene sich angesprochen fühlen, herzhaft lachen und mitfiebern können, ohne sich dabei albern zu fühlen.

Und der zweite Teil setzt einfach noch so viele neue kleine Spitzen auf das bekannte Schema des ersten Films, dass ich gleich nach Beenden des ersten Durchgangs sofort wieder von vorne beginnen wollte. Eine ganz und gar herrliche Komödie, die es mit den aus dem ersten Teil bekannten Schauspielern schafft, tatsächlich eine gelungene (und keineswegs abgeflachte) Fortsetzung abzuliefern. Wunderbar!

Live. Die. Repeat

Actionreiche Science Fiction, die sich bei einer guten Vorlage bedient und sie geschickt umsetzt – spannend!

Actionreiche Science Fiction, die sich bei einer guten Vorlage bedient und sie geschickt umsetzt – spannend!

Noch ein Film mit Tom Cruise. Nach den positiven Erfahrungen mit „Oblivion“ dachte ich mir, ein weiterer Film könne nicht schaden, um mein etwas revidiertes Urteil über ihn erneut auf die Probe zu stellen. Und tatsächlich ist der Film wiederum ein gelungener Science Fiction-Action-Film.

Die Grundidee entstammt einer alten Star Trek TNG-Folge namens „Deja-vu“, in der die Enterprise bei einer Raumkollision zerstört wird, woraufhin sie in einer Zeitschleife gefangen bleibt und diesen Tag wieder und wieder erlebt – bis sie es schafft, die Situation zu meistern.

Bei „Live. Die. Repeat“ ist das Prinzip extrem ähnlich: Tom Cruise wird als Soldat in eine Gefechtssituation gebracht, wo er beim Töten eines Aliens selbst stirbt. Der Kontakt mit dem Alien löst eine Zeitschleife aus, wodurch er diesen einen Tag immer und immer wieder erlebt, bis er einen Ausweg aus der Situation findet und – man hätte es nicht erwartet – die Menschheit dabei rettet.

Besonders gelungen ist die Beschleunigung der Wiederholungsabläufe, denn gerade an dieser heiklen Stelle könnte der Film unendlich zäh werden. Wird er aber nie, denn der Regisseur hat sich für eine gekonnte Raffung aller zeitlichen Abläufe auf die wenigen notwendigen Momente beschränkt. Es ist so ähnlich wie „Und täglich grüßt das Murmeltier“, nur halt nicht in lustig (na ja, ein paar Szenen sind auf ihre Weise schon lustig).

Auch wenn ich den Ausgang jetzt schon kenne, der Film landet garantiert noch öfter im Apple TV oder auf dem iPad, er strotzt nur so vor tollen Effekten, die Handlung ist wirklich nicht schlecht, man kann kaum weggucken. Sehr gut!

Fazit

Wenn ich schon abends meist zu müde bin, um einen ganzen Film am Stück zu gucken, so hat sich das mit dem iPad-Gucken während des Laufens als gute Möglichkeit erwiesen, die 100 Minuten Monotonie im Keller spannend(er) zu gestalten. Durch die AirPods höre ich alles kristallklar direkt im Kopf, ohne meine Familie schon morgens um kurz vor Fünf aus dem Schlaf zu reißen. Und es ist tatsächlich unterhaltsam – das wird’s in Zukunft noch öfter geben!

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Album der Woche – Episode 2 – 2017-09-24

Jede Woche präsentiere ich ein Album, das mir persönlich gut gefällt. Im Vorfeld höre ich es noch einmal (oder häufiger) durch und bemühe mich dann, es allen Interessierten „schmackhaft“ zu machen.

Magnum: „On A Storyteller’s Night“

Tolkien-Fans aufgepasst: Diese Musik dürfte euch gefallen, aber sowas von...

Tolkien-Fans aufgepasst: Diese Musik dürfte euch gefallen, aber sowas von…

Die 1972 in Birmingham gegründete Band Magnum gehört zum britischen Hard Rock-/Heavy Metal-Urgestein, die durch viele gelungene Album-Veröffentlichungen und stimmungsvoll-mitreißende Live-Auftritte bis heute überzeugen, die vor allem aber auch seit ihren Anfängen das Fantasy-Element in der Rock-Musik stark betonen. Ein Blick auf das Artwork fast aller Album-Cover der vergangenen Jahrzehnte stellt das eindrucksvoll unter Beweis.

Das für den heutigen Eintrag ausgewählte Album, „On A Storyteller‘s Night“ erschien 1985 und brachte der Band den verdienten internationalen Durchbruch. Als Teenager sah ich immer dieses Cover in den Platten-/CD-Läden stehen. Irgendwann siegte die Neugier und ich kaufte die CD. Keinen einzigen Tag habe ich es bereut, denn die Musik ist melodisch, kraftvoll und voller Geheimnisse. Fans von J. R. R. Tolkien kommen hier voll auf ihre Kosten (und das war Jahrzehnte VOR dem Hype um die Peter Jackson-Verfilmungen).

Die Songs:

„On A Storyteller’s Night“ ist ein ganz klassisches Rock-Album: 10 Stücke, Gesamtspielzeit: ca. 46 Minuten. Rechnet man das kurz durch, wird klar, warum die Stücke trotz all ihrer eingängigen Melodien nicht allzu viel Radiopräsenz abbekamen: Sie (zumindest die meisten) sind dafür einfach ein bisschen zu lang (alles über drei oder dreieinhalb Minuten scheidet für das Radio mehr oder weniger sofort aus). Doch als Rock-Musiker darf man ohnehin nicht auf eine riesige Radiopräsenz bauen, gerade in Zeiten einer immer stärker am Mainstream ausgerichteten Pop-Kultur wäre das fatal.

How Far Jerusalem (6:25)

Das ist für mich neben dem Titelsong DER Tolkien-Song schlechthin. All die Faszination, die die episch ausgebreiteten Geschichten von Tolkien bei ihren Fans hervorrufen, bildet den inhaltlichen Hintergrund des Songs.

Nach der geheimnisvollen Klangkulisse, die am Anfang aufgebaut wird, setzt dann die Band mit rockigen Riffs ein und heizt ordentlich ein, nur um dann in einen sanften, lyrischen Teil umzuschwenken. Auch später wird die mysteriöse Stimmung durch den geschickten Einsatz von reichlich Delay und Reverb in der E-Gitarre verstärkt. Dann noch der mehrstimmige Gesang, der aus der Ruhe der kleinen Zwischenparts wieder in den energetisch rockenden Refrain wechselt – einfach nur herrlich. Was für ein fantastischer Opener für ein Album! Kein Wunder, dass die Fans das Album und diesen Song lieben!

Just Like An Arrow (3:21)

Diese schnelle und (für Magnum-Verhältnisse) sehr energetische Nummer in (ausnahmsweise einmal) bester Radio-Länge besticht durch wundervolle Gitarrenriffs und den geschickten Einsatz der Synthesizer, alles daran treibt nach vorne. Sowohl der melodische (und stellenweise aufregend raue) Gesang als auch das kraftvolle Gitarrensolo sind so gestaltet, dass sie problemlos im Gehör hängen bleiben – ganz klar einer der Höhepunkte des Albums. Also schon der zweite von zwei Songs…

On A Storyteller’s Night

Genau genommen gilt hier das, was ich zum Opener „How Far Jerusalem“ geschrieben habe, außer dass es ganz explizit die Bildersprache Tolkiens heraufbeschwört. Werft doch gerade noch einmal einen Blick auf das oben eingebettete Album-Cover, dann seht ihr vermutlich sofort, was ich meine. Ein reisender Erzähler sitzt in geselliger Runde am Kamin und erzählt eine – den Gesichtern der Zuhörer zufolge vermutlich gruselige – Geschichte. Alle lauschen gebannt und sind vollkommen fasziniert, sogar aus dem Keller lugen eigenartige Gestalten hervor. Und die Musik fängt diese Stimmung geradezu perfekt ein. Schön ist auch der Schluss, der den Hörer mit einem fast schon unerwarteten Ruck aus dem Hörgenuss herausreißt. Hammer!

Before First Light

Eine schöne, schnörkellose Rock-Nummer, die aber inhaltlich nicht viel zu bieten hat. Sicher ein Song, der gefällig im Hintergrund laufen kann, dabei auch eine gehörige Portion Genuss bereitet. Doch im Vergleich zu einigen anderen Highlights des Albums fehlt ihm ein wenig die Finesse – eventuell urteile ich auch zu hart, denn für mich gehört Magnum (zumindest bei diesem Album) so eindeutig in diese Mittelalter-/Fantasy-/Sagenwelt-Schiene, dass der in dieser Hinsicht fehlende Bezug mir wie ein Mangel vorkommt. Doch zum Trost kann ich gleich noch attestieren, dass es vermutlich nur meine Einbildung ist.

Les Morts Dansant

Übersetzt heißt der Titel des Songs „Die Toten tanzen“, die dem Titel innewohnende Dramatik wird auch auf musikalischer Ebene gut umgesetzt, denn die Spannung baut sich von der ruhigen Einleitung bis zum Refrain allmählich immer weiter auf. Bemerkenswert ist der sehr sparsame Einsatz des Schlagzeugs, das in der Rockmusik sonst ja eine ziemlich permanente Präsenz besitzt und stark zum Gesamtklang beiträgt. Aber auch dieses wächst mit der zunehmenden Intensität immer weiter an, um den hymnenhaften Charakter der Gesangslinie zu unterstützen. Vor meinem inneren Auge baut sich bei diesem Song immer das Bild einer tanzenden Schar in den Katakomben einer der großen alten Städte Europas auf. Geht es noch jemandem so?

Endless Love

Liest man den Titel, denkt man ja eher an eine Ballade, doch dann? Haha! Weit gefehlt, denn schon der erste Schlagzeug-Einsatz zeigt ganz klar, dass es hier nicht allzu soft zur Sache geht. Dann kommen Gitarre, Gesang, später auch noch der Rest der Band dazu – und schon fährt der Rock-Zug unaufhaltsam auf sicherem Gleis durch die Nacht.

Inhaltlich geht es um einen ruhelosen Geist, der niemals lange an einem Ort bleiben kann, stets treibt es ihn weiter. So kann das natürlich nichts mit der „nie endenden Liebe“ werden. Wenn man das weiß, kommt der treibende Grundbeat gleich noch viel besser. (Und das kleine Wörtchen „No“ vor dem Titel des Songs ergibt dann auch gleich wesentlich mehr Sinn…)

Two Hearts

An diesem Song liebe ich vor allem die Einleitung, denn sie erinnert mich immer an einen mittelalterlichen Troubadour, zumindest bis dann der Beat der ganzen Band einsetzt. Ab da ist es dann ein ganz geradliniger Rock-Song mit gefälligen Melodiebögen sowohl im Gesang als auch beim Synthesizer und glatten Gitarren-Riffs, die von unten etwas Druck nach vorne erzeugen. Insgesamt ein guter Song, doch sicher nicht ganz auf dem Niveau der ersten drei, die einfach eine wahnsinnig hohe Messlatte angelegt haben.

Steal Your Heart

Das klingt vielleicht böse, aber ich halte diesen Song für einen der wenigen schwächeren Momente des Albums. Er ist noch nicht einmal kein guter Song, aber gerade nach dem unglaublich starken (da stimmungsvollen) Anfang sind „Two Hearts“ und „Steal Your Heart“ einfach nur gute Songs, nicht überragende. Sie stören den Hörgenuss nicht, aber mich reißen sie nicht annähernd so sehr mit wie die Highlights des Albums.

All England’s Eyes

Ich weiß nicht, wie ich es (abgesehen von den Lyrics) konkret faktisch begründen soll, doch für mich verkörpert dieser Song die „Rockmusik in bester britischer Tradition“. Irgendwie klingt das so britisch, dass es wohl von kaum einer anderen Band so gut gespielt werden könnte. Vermutlich ist es die Kombination aus Schlagzeug-Beat, dem pumpenden Synthesizer-Klang und den fetten Power-Chords der E-Gitarre. Die „Kriegstrommeln“ zu Beginn der Strophe sind auch nicht zu verachten, sie erzeugen gleich eine Stimmung wie in einer mittelalterlichen Sagenwelt. Für mich ist es einer der stärkeren Songs des Albums.

The Last Dance

Das Album wird abgerundet durch eine sentimental eingefärbte Ballade, die wiederum eine Situation heraufbeschwört, die es sowohl in den „alten Zeiten“ gegeben hat, wie auch heute noch Menschen sie tagtäglich erleben (müssen). Diese melancholisch niedergeschlagene Stimmung ist musikalisch überzeugend umgesetzt und beschließt daher das Album ganz elegant. Mich hat es früher immer etwas überrascht, dass zum Ende nicht noch ein energetischer Knaller kommt, doch mittlerweile gefällt mir diese Variante sogar noch besser.

Fazit

Wäre das Album nicht schon seit vielen Jahren einer meiner „Schätze“, würde ich es nicht in diesen illustren Zirkel aufnehmen. Doch in diesem Fall stand die Wahl schon vor Monaten fest, eigentlich sofort nach dem Fassen des Entschlusses, diese Kategorie aufzumachen. Da gab es wirklich keinen noch so kurzen Moment der Unsicherheit. Und ich freue mich selbst, noch einmal intensiv gerade in jene Songs hineingehört zu haben, die ich sonst nur nebenher wahrnehme. Ein oder zwei sind dadurch in meiner Gunst gleich ein Stück angestiegen.

Für mich ist „On A Storyteller‘s Night“ ein zeitlos gutes Album, das aus der Masse der schier unzählbar vielen guten Alben durch die oben angesprochenen Besonderheiten heraussticht. Aber vor allem im Herbst und Winter passt es perfekt zur jahreszeitlich bedingten Stimmung. Gerade bevor ich mit dem Schreiben des Fazits begann, zündete ich das Feuer im Ofen hinter mir an. So bin ich mir sicher, genau in der richtigen Stimmung zu sein. In diesem Sinne schicke ich euch warme (hach, mein Rücken ist bald gar…) musikalische Grüße und wünsche euch viel Vergnügen mit diesem musikalischen Juwel!

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Song des Tages (367) – 2017-09-23

Ein Jahr lang habe ich jeden Tag einen Song als den „Song des Tages“ empfohlen, nun bin ich schon in der zweiten Runde und habe das Intervall etwas gelockert: Statt „jeden Tag“ gibt es nun „hin und wieder“ einen Song des Tages an dieser Stelle.

Bis gestern Abend war mir nicht bekannt gewesen, dass die Scorpions ein Album namens „Face The Heat“ herausgebracht hatten – 1993 war das schon. Bereits beim ersten Anhören merkte ich, wie sehr mir der Opener des Albums gefiel, sofort wanderte er in meine Liste von Power-Songs, die ich beim Sport gebrauchen kann. Auch in diese illustre Runde wird er mit dem heutigen Tag aufgenommen: „Alien Nation“ von den Scorpions ist der heutige Song des Tages:

Selbst nach 24 Jahren strahlt der Song ordentlich Kraft aus, genau was ich beim Sporteln zu früher Stunde gebrauchen kann. Gönnt euch ein wundervolles Wochenende!

Alle Songs in meiner freigegebenen Apple Music-Playlist.

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Song des Tages (366) – 2017-09-21

Ein Jahr lang habe ich jeden Tag einen Song als den „Song des Tages“ empfohlen, nun bin ich schon in der zweiten Runde und habe das Intervall etwas gelockert: Statt „jeden Tag“ gibt es nun „hin und wieder“ einen Song des Tages an dieser Stelle.

Nach dem gestrigen Wiedereinstieg habe ich gleich noch einmal Lust bekommen – und natürlich auch einen passenden Song gefunden, den man nicht oft genug hören kann. Zwar ist das 1987 erschienene Album „The Joshua Tree“ von U2 ohnehin schon ein Klassiker, doch stehen viele der wirklich gelungenen Stücke sehr im Schatten von „With Or Without You“ und „I Still Haven‘t Found What I‘m Looking For“ – unverdientermaßen, wie ich meine.

Gleich der Opener des Albums ist ein vollkommen umwerfendes Stück, auch wenn ich es beim ersten Anhören noch als ziemlich furchtbar empfunden habe (als Jugendlicher kann man sich ja mal vertun), mittlerweile liebe ich es wirklich. Kaum ein anderer Song hat die Verlorenheit eines Individuums in den Weiten Nordamerikas jemals besser klanglich eingefangen (na ja, abgesehen von dem einen oder anderen Bruce Springsteen-Song). Hier nun also der Song des Tages: „Where The Streets Have No Name“ von U2:

Das Video hat einen geradezu dokumentarischen Charakter, wer nur die Musik hören will, sollte gleich zu 2:10 springen, ab da geht es so richtig los.

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Song des Tages (365) – 2017-09-20

Ein Jahr lang habe ich jeden Tag einen Song als den „Song des Tages“ empfohlen, nun bin ich schon in der zweiten Runde und habe das Intervall etwas gelockert: Statt „jeden Tag“ gibt es nun „hin und wieder“ einen Song des Tages an dieser Stelle.

Weil es doch so schön ist, sich wieder an der musikalischen Front zurückzumelden, gibt es heute gleich ein „Double Feature“ (das ist die neudeutsche Ausdrucksweise für: „Ich trete gleich zweimal auf den Rechen…“): Mit dem Whitesnake-Album „1987“ sind damals gleich zwei kolossale musikalische Schätze veröffentlicht worden, die beide als Song des Tages taugen – und beide sollen hier gleichberechtigt nebeneinander stehen:

Einerseits das in einer himmlischen Melancholie versinkende „Is This Love“, bei dem man sich eigentlich sofort mit einer heißen Schokolade in den hintersten Winkel des Hauses zurückziehen möchte, um dort (genussvoll) vor sich hin zu brüten über verflossene Liebschaften.

Andererseits das unnachahmliche und weltbekannte „Here I Go Again“, das nach der sentimentalen Einleitung eine dermaßen gigantische Energie entwickelt, dass es in den späten 1980er und frühen 1990er Jahren quasi zum Dauerhit sowohl bei Cover-Bands als auch im Radio wurde.

Beide Songs wären es alleine schon wert, ein Song des Tages zu sein, doch als Wiedereintritt wollte ich sie hier vereinen, wenn sie schon vom selben Album stammen. Ab jetzt gibt’s häufiger wieder eine kleine Dosis musikalischer Genüsse, versprochen!

Alle Songs in meiner freigegebenen Apple Music-Playlist.

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Album der Woche – Episode 1 – 2017-09-17

Jede Woche präsentiere ich ein Album, das mir persönlich gut gefällt. Im Vorfeld höre ich es noch einmal (oder häufiger) durch und bemühe mich dann, es allen Interessierten „schmackhaft“ zu machen.

Alphaville: „Strange Attractor“

2017 erschienen, für die Ewigkeit gemacht: „Strange Attractor“ von Alphaville

2017 erschienen, für die Ewigkeit gemacht: „Strange Attractor“ von Alphaville

Meine erste selbst gekaufte Schallplatte (noch echtes Vinyl, Baby!) war „Forever Young“ von Alphaville. Mein Bruder hatte sie schon, teilte aber nicht gerne – wer verleiht schon die Lieblingsplatte an den kleinen Bruder (damals war ich gerade einmal neun Jahre alt)? Auch das Nachfolger-Album „Afternoons in Utopia“ besorgte ich mir, damals schon auf CD. Ein Kumpel lieh sie sich aus, bis heute kam sie nicht zurück (ob er sie nach den fast 20 Jahren wohl noch hat…?). Danach riss der Faden ab, denn dann steckte ich voll in meiner Heavy Metal-Phase.

Erst im Rahmen meines Song des Tages-Projekts machte mich Zeilenende darauf aufmerksam, dass die Band in den letzten Jahren wieder neue Alben auf den Markt gebracht habe. Ich sah bei Apple Music nach und entdeckt das ganz frisch – 2017! – erschienene Album „Strange Attractor“. Geladen, gehört, begeistert. Daher ein wundervoller Kandidat, um diese neue Kategorie meines Blogs zu eröffnen.

Die Songs:

Insgesamt beinhaltet das Album 13 Songs mit insgesamt 63 Minuten Spielzeit, was für ein Pop-Album schon sehr ordentlich ist. Ich habe mir alle Songs einzeln vorgenommen, um dann etwas dazu zu schreiben. Mal sehen, ob ich diesen Aufwand für jedes einzelne Album betreiben kann (vermutlich nicht), hier war es mir aber ein Vergnügen.

Giants (3:27)

Die erste Begegnung mit dem neuen Album: Eine düstere, verhangene Musik-Kulisse, die an einen wolkenverhangenen Himmel über regennassem Brachland erinnert. Dann der erste Einsatz der Stimme in einer für Pop-Verhältnisse sehr tiefen Lage, leicht mit Effekten verfremdet. Satte anderthalb Minuten wird diese düstere Stimmung im Opener aufgebaut, dann plötzlich ein Atmosphärenwechsel: schwebende Klänge, Chor- und Synthesizerklänge im Hintergrund. Nach zwei Minuten endet der Gesang, der Rest des Stücks ist eine einzige stimmungsvolle Instrumentalpassage – ganz ungewöhnlich für Popmusik. Doch als Opener für dieses fantastische Album sehr gelungen, denn hier gibt’s keinen Pop von der Stange, diese Musik fordert mehr vom Hörer, gibt dafür aber auch mehr zurück.

Marionettes With Halos (4:21)

Was für ein eigenartiger, aber doch ganz und gar wundervoller Song! Am Anfang war ich etwas irritiert von der musikalischen Untermalung des Refrains, doch nachdem ich mich daran gewöhnt hatte, gefiel mir das Stück. Und das war noch, bevor ich das herrlich wilde Gitarrensolo bewusst wahrgenommen hatte (es schließt sich an den ruhigen, fast schon schwebenden Bridge-Teil an) – Wahnsinn!

House of Ghosts (5:06)

Irgendwie scheinen Alphaville bei diesem Album verstärkt darauf aus zu sein, sich den Preis für die meisten sphärischen Anfänge auf einem Pop-Album unter den Nagel zu reißen. Dieses Stück beginnt in der Schwebe, erst nach fast einer Minute etabliert sich ein fester Synthesizer-Beat as Begleitung. Und über allem schwebt immer – und das ist meiner Meinung nach die größte Stärke dieser Band – eine Melodie, die schlicht perfekt ist. Sie spannt weite Bögen, windet sich schwerelos, umfasst einen weiten Ambitus, ohne jemals angestrengt oder gekünstelt zu klingen. An den genau richtigen Stellen wird der Gesang zweistimmig, um gleich danach wieder in seiner melancholischen Einsamkeit zurückzubleiben, auch an Effekten zur Verfremdung wird hier und da nicht gespart. Aber es geht dabei nicht um ein plattes „Wir haben ja sonst nichts, also müssen wir mit Effekten drüber…“ – ganz im Gegenteil: Die Effekte erzeugen mehr Tiefe, verschaffen der Band eine größere Klangpalette.

Around the Universe (3:59)

Der schlichte Beginn mit nur der akustischen Gitarre und dem Gesang täuscht leicht darüber hinweg, dass sich hier wieder einmal ein kleines Juwel verbirgt. Auch wenn ich der bei Alphaville häufig mitschwingenden religiösen Komponente persönlich nicht viel abgewinnen kann, ist es ein solider und anmutiger Song, der sich zu einem wundervollen Höhepunkt aufbaut, um dann sanft auszuklingen.

Enigma (5:59)

Dieser Song stellt mein persönliches Highlight des gesamten Albums, wenn nicht gar des gesamten Bandschaffens dar. Mit fast sechs Minuten ist der Song etwa doppelt so lange, wie er es sein müsste, um radiotauglich zu sein. Aber – und das ist wirklich eine ernst gemeinte Aufforderung – ihr solltet euch als erstes eure besten Kopfhörer aufsetzen und den Song auf ordentlicher Lautstärke hören, dann werdet ihr vermutlich intuitiv verstehen, warum er mein Favorit ist.

Aus der tiefen Ruhe der Einleitung wie auch der Zwischenspiele spinnt sich eine schier unglaubliche Melodie, dreht immer wieder ihre Kreise, arbeitet sich aus tiefer Lage in die höchste empor, tarnt die gewagten harmonischen Fortschreitungen durch ihre Eleganz. Ich habe es zwar nicht gezählt, aber diesen einen Song habe ich mindestens schon 50 Mal gehört – und es werden noch etliche weitere Male folgen.

Mafia Island (6:22)

Nach den ersten paar Malen hatte ich dieses Stück eigentlich schon als „nicht mein Ding“ abgeschrieben, doch irgendwann spielte der Song dann noch einmal im Hintergrund, als ich das gesamte Album durchlaufen ließ. Und plötzlich mochte ich ihn. Sehr sogar. Ich kann mittlerweile nicht einmal mehr sagen, was mich anfangs gestört hatte, vermutlich war es das nach dem Refrain eingeschobene Zwischenspiel, das mir irgendwie von der Klangfarbe (speziell der etwas blecherne Klang der Gitarre) nicht zum Rest zu passen schien. Egal, das Stück ist klasse!

A Handful of Darkness (7:49)

Der Anfang dieses für Pop-Musik ziemlich langen und in mehrfacher Hinsicht ungewöhnlichen Songs ist ganz behutsam und unaufdringlich: Stück für Stück schält sich eine Begleitung aus dem Nichts, bis dann der Gesang in der unteren Mittellage einsetzt, dann mehrstimmig wird, aussetzt, zögert… Und dann wird einem der fantastische Refrain präsentiert. Wow! Dieses erste Mal bläst mich noch immer bei jedem Anhören weg. Mitten in der zweiten Strophe wird dann ein neues Zwischenthema eingeführt (ungewöhnlich für Pop-Musik, aber es kommt gut), um sich nach einer kurzen Klimax wieder zurückzuziehen. Platz für die nächste Strophe, die sich wieder aufbaut, dieses Mal jedoch ohne Zögern in den Refrain übergeht – und wieder hüllt mich diese unnachahmliche Alphaville-Klangwolke ein, wie eine kleine Epiphanie. Dann kommt der einzige Abschnitt, der ein wenig „billig“ wirkt: der Synthi-Chor, da wäre vom Sound her bestimmt noch mehr herauszuholen gewesen. Immerhin ist die Band innovativ, hängt gleich noch den Refrain ohne den Gesang an, was man als Hörer jedoch sofort anhand der Akkord-Progression hört, ein gelungener Kunstgriff! Und dann zum Schluss die Auflösung bis hin zum Nichts. Ein wirklich außergewöhnliches Stück Pop-Musik!

Sexyland (3:50)

Der Titel hat mich am Anfang abgeschreckt, doch hier haben Alphaville ein schönes Stück in – auf diesem Album fast „zur Abwechslung mal“ – höherem Tempo und mit einer ordentlichen Portion Ohrwurmqualität abgeliefert.

Rendezvoyeur (4:15)

Das Eröffnungsriff lässt mich jedes Mal spontan an einen Western-Film denken, fehlt nur noch, dass sich zwei Typen aus dem Saloon auf die Straße begeben, um sich dort zu duellieren… Und auch wenn ich nicht DER Western-Fan bin, so ist der Song trotzdem ein Ohrwurm sonder gleichen. Er fetzt gut – und macht Laune auf mehr von dieser Art!

Nevermore (4:49)

Als Überschrift über diesem Song könnte man das Wort „Cool“ anbringen. Die verzerrte E-Gitarre, die sonst bei Alphaville nicht im Fokus steht, kontrolliert den harten Sound des Refrains, ein erfrischender Wandel zum sonst eher Syntheszier-zentrierten Sound. Sogar ein (kleines aber feines) Gitarrensolo wurde eingebaut. Gerade im Zusammenhang wirken „Sexyland“, „Rendezvoyeur“ und „Nevermore“, als wollten Alphaville die genussvolle melancholische Schwermut der ersten Hälfte des Albums hier abwerfen, um ein bisschen Dampf abzulassen und es all jenen zu zeigen, die sich bis zu dem Zeitpunkt den Eindruck verschafft hatten, dass da wohl keine energiereichen Stücke mehr kommen würden… Sehr schön, dieser kraftvolle Ritt über drei Stücke!

Fever! (3:46)

Hatte ich gerade von drei Stücken gesprochen? Ha! Es kommt auch gleich noch ein viertes daher, das das Tempo anzieht. Allerdings ist hier der Synthesizer wieder fest an vorderster Front der Instrumente zu sehen/hören. Nein, eine ruhige Kugel wird hier nicht geschoben.

Heartbreak City (3:46)

Warum muss ich nur immer an „Moves Like Jagger“ von Maroon 5 denken? Funky Gitarre, Kleiderbügel-Gesang, synthetische Klatscher im Beat – die Disco-Vergangenheit holt die Musiker ein… Ich kann mir gut vorstellen, wie sie im Studio standen: Schlaghosen, Afro-Frisur (zur Not als Perücke), Poster von James Brown und Maceo Parker an der Wand… Auch wenn es möglicherweise klingen mag, als würde ich mich über den Song lustig machen, könnte der Eindruck nicht mehr täuschen, denn er ist sehr gelungen. Vor allem der Wechsel zwischen den Funk-Passagen und den schwerelosen Momenten (dem typischen Alphaville-Sound) ist sehr gelungen und sorgt für viel Hörvergnügen.

Beyond the Laughing Sky (5:39)

Der ruhige Anfang scheint anzudeuten, dass das Album ausklingen soll, wie es begonnen hat. Doch dann mausert sich der Song zu einem derart fulminanten Mittelteil mit einem wundervollen Gitarrensolo und einer Klangwand, die ihres gleichen sucht. Ein absolut würdiger Abschluss für dieses exzellente Album!

Fazit

Kurz und knackig: Ich bin begeistert. Ein sehr schönes Album, das in der besten Tradition der alten Alphaville steht, aber mindestens ebenso reich an innovativen Elementen ist. Wer die frühen Erfolge wie „Big In Japan“, „Forever Young“ oder „Summer in Berlin“ mochte, wird sich hier daheim fühlen, gleichzeitig aber auch den frischen Anstrich und die kleinen, aber delikaten Anbauten bemerken.

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